Animée en ligne par le guide conférencier Thierry HEIL
Tour d’horizon de l’influence culturelle russe dans l’histoire et l’architecture dans le Grand Paris.
Églises, maisons, plaques souvenirs de gens célèbres. L’héritage russe dans le Grand Paris est vaste et étonnant, et s’étend du 19e siècle à nos jours. Surtout quand près d’un demi-million de Russes ont émigré en France dans les années qui ont suivi la révolution russe de 1917. Ils ont apporté des traditions, des modes de vie et des cultures qui sont à bien des égards encore visibles aujourd’hui.
Conférence en français en ligne sur Zoom en partenariat avec Explore Paris. Le lien est fourni après la réservation dans l’email de confirmation.
Il suffit de cliquer sur le lien le jour de la conférence.

par Nikita Krivochéine, traduit du russe par Bruno Bisson, préface de George Nivat
Cahier de photos
Présentation du livre par M. Guillaume d’Alançon, directeur de l’Institut pour la Famille en Europe.
- Pourquoi vouloir publier vos mémoires ?
La littérature « Archipel » stalinien est abondante en français. Mais pratiquement rien n’est paru sur la période qui a suivi les évènements de Budapest et le Festival de la jeunesse de 1957. Ont paru en France les souvenirs d’ Anatoli Martchenko « Une Grève de la faim » et le livre d’Irina Emelianova « Légendes de la rue Potapov » , sur les périodes concentrationnaires Khrouchtchev-Brejnev. Il fallait combler cette omission.
- Au nom du respect des droits de l'homme, on est aujourd'hui face à un déni du droit à la vie et à chercher la vérité en conformité avec sa conscience. Vous qui avez souffert pour vos convictions, que doit être selon vous le rôle de l'Etat, mais aussi des médias ?
- L’Eglise enseigne que le Droit Divin prime sur les codes et les lois que se donnent les sociétés. Il est légitime de refuser à suivre un ordre peccamineux. Il y a eu à Katyn des militaires qui n’ont pas accepté de participer à la tuerie des prisonniers polonais.
Photo : Correspondance entre le camp et les amis de Nikita, 1957 et 1961
- L’Eglise enseigne que le Droit Divin prime sur les codes et les lois que se donnent les sociétés. Il est légitime de refuser à suivre un ordre peccamineux. Il y a eu à Katyn des militaires qui n’ont pas accepté de participer à la tuerie des prisonniers polonais. - Vous avez connu Alexandre Soljénitsyne, qu'aimeriez-vous lui écrire comme dédicace si vous aviez pu lui offrir votre livre ?
- J’aurais essayé de lui dire que la lecture d’Ivan Denissovitch, puis de l’Archipel a été un tournant dans ma manière de percevoir la Russie. Peu avant mon départ d’URSS j’ai rencontré Soljenitsyne qui m’a dit approuver ma décision. Qui a été pour moi très douloureuse. J’aurais dit dans ma dédicace que ne fût-ce qu’un peu j’ai réussi à m’en tenir à ses préceptes.
- Qu'est-ce que le courage pour vous ?
- Faire de son mieux pour ne pas montrer qu’on a peur.
- Vous ne cachez pas votre attachement à la religion de vos pères. En ces jours où nous fêtons Pâques, quel message d'espérance voulez-vous transmettre ?
- Que les fêtes pascales que j’ai vécues dans la prison de la Loubianka et dans les camps m’ont été bien plus qu’un réconfort, une certitude. J’ai rencontré dans « les zones » des codétenus admirables et j’en suis reconnaissant à la Providence. J’en parle dans le livre.
Photo : 2014, Tallinn, Nikita et Monseigneur Corneille, métropolite de Tallinn et d'Estonie, son codétenu dans les camps de Mordovie
- Que diriez-vous aux français qui peinent face à la crise des valeurs, à la crise du sens, sur fond de crise économique, et qui ne savent plus à quel saint se vouer ?
- Que les pénombres n’ont pas vocation à durer, qu’il suffit amplement de ce qui s’est maintenu de nos certitudes aujourd’hui. L’Espoir est une grande vertu, demain sera un autre jour. Les difficultés de maintenant sont peu de choses à comparer avec la guerre froide et la menace communiste.
- Enfin, une dernière question, quelle est l'icône que vous préférez, celle qui a recueilli vos prières pendant les heures sombres de votre vie ?
- Celle de la Mère de Dieu de Vladimir, elle s’est imprimée dans ma mémoire, combien de fois sa vision m’a soutenu, m’a épargné le désespoir. Et l’icone de Saint Séraphin de Sarov, protecteur de notre famille, priant dans la forêt, agenouillé sur une pierre pendant de longs mois .
Nikita Krivochéine est né à Paris en 1934. Son grand-père fut ministre de l’agriculture du tsar Nicolas II. Son père, Igor Krivochéine, officier de l'armée blanche du général Wrangel est un héros de la résistance aux bolchéviques qui émigre en France en 1920, résiste au nazisme et est déporté à Buchenwald.
En 1948, Nikita rejoint l’URSS avec ses parents qui pensent retrouver une Russie apaisée. Peu après leur arrivée, son père est arrêté et envoyé dans un camp de travaux forcés où il retrouve Soljenitsyne. Nikita parvient à suivre les cours du prestigieux Institut des langues étrangères de Moscou et travaille comme traducteur. Il est arrêté en 1957, coupable d’avoir envoyé au journal le Monde une chronique sur l’intervention soviétique en Hongrie, en réaction à un article de Vercors à la gloire du régime et de l’URSS. Il est à son tour envoyé dans les camps après avoir passé de longs mois dans les prisons du KGB.
En 1971, il peut enfin revenir en France grâce à l'intervention personnelle du président Pompidou. Ses parents le rejoignent en 1974. Il effectue alors une carrière d’interprète auprès de différentes organisations internationales.
Des miradors à la liberté constitue un témoignage exceptionnel de l’un des derniers survivants du goulag soviétique, comportant notamment un écrit inédit de Soljénitsyne dont Nikita Krivochéine fut l’interprète et l'ami. C’est aussi un acte d’espérance et une sévère mise en garde contre les tentations totalitaires de notre temps. Zone contenant les pièces jointes
Photo: Tallinn, le métropolite de Volokolamsk Hilarion, président du DREE, à la cathédrale Saint-Alexandre-Nevski
Rédigé par « Parlons D'orthodoxie » le 28 Avril 2021 à 08:17 | 1 commentaire | Permalien

Lecture by Catriona Kelly, University of Oxford
International Relations Office Ghent University - Russia Platform
Catriona Kelly's lecture, based on extensive work with Soviet archives and oral history, uses the history of one of the USSR's most important studios, Lenfilm in Leningrad, to explore how studios as well as film artists had their own handwriting.

Soviet cinema is universally regarded as one of the world's great film traditions, but it is mainly the movies from the 1920s and the 1930s that are familiar to Western audiences. By and large, too, we know film history in terms of famous directors (from Eisenstein to Tarkovsky), but have little awareness of the studio culture that shaped film production.
Catriona Kelly's lecture, based on extensive work with Soviet archives and oral history, uses the history of one of the USSR's most important studios, Lenfilm in Leningrad, to explore how studios as well as film artists had their own 'handwriting'. Rather than simply making up a further line of bureaucratic obstruction, they provided film artists with material and psychological support, and were highly individual and in some respects successful working environments for a variety of artists, including set painters and costume designers as well as the famous names at the top of the credits. The lecture gives particular attention to the ways in which Lenfilm nurtured (while also sometimes coercing and even bullying) young filmmakers in the Khrushchev and Brezhnev eras, a period at which the radical expansion of the film industry led to a mass recruitment drive and brought in new generations of young people whose views and ambitions were often very different from those of the established 'masters' who had dominated movie production in the Stalin era.

Speaker : Catriona Kelly is Professor of Russian at the University of Oxford and a Fellow of New College. She has published many books and articles on Russian history and culture, including St. Petersburg: Shadows of the Past (Yale University Press, 2014), which was shortlisted for the Pushkin Russian Book Prize. She often visits Russia, and has owned a flat in St. Petersburg since 2005. She is currently completing Soviet Art House, a study of the Lenfilm studio from the early 1960s to the 1980s.

The Moscow City Ballet
Organisé par ballets.be
FR
L’un des joyaux du répertoire classique, Le Lac des Cygnes, sur la légendaire musique du compositeur russe Tchaïkovsky et la chorégraphie originale de Marius Petipa, est l’un des ballets les plus dansés à travers le monde. Le Lac des Cygnes fait partie de ces oeuvres magiques dont chacun a entendu parler mais que peu ont eu l'occasion de voir un jour sur scène. Ballet composé en 1876 par Tchaïkovsky, il lui a fallu attendre jusqu'en 1895 pour être présenté en première à Saint-Petersbourg, chorégraphié par Marius Petipa.
Ce Marseillais qui régna pendant cinquante ans sur la danse en Russie, ne se doutait certainement pas que ses ballets seraient joués dans le monde entier après sa mort et que son Lac des Cygnes, qui ne fut jamais représenté hors de Russie de son vivant, deviendrait le plus populaire des ballets romantiques un siècle après sa création.
L’action nous transporte dans un univers romantique et imaginaire où le prince Siegfried tombe amoureux d'un cygne qui n'est autre qu'une princesse victime d'un sortilège. Cygne le jour, femme la nuit, ainsi doit-elle vivre jusqu’à ce que le sortilège soit rompu…
The Moscow City Ballet
En 1988, Victor Smirnov-Golovanov, ancien danseur étoile du Ballet Bolchoi et chorégraphe fonde le Moscow City Ballet dans le but de promouvoir les idées originales des plus grands chorégraphes du 19ème siècle. Les succès remportés par The Moscow City Ballet, aussi bien en Russie qu’à l’étranger, la propulsent dans le cercle des compagnies les plus demandées en tournée.
Considérant le ballet classique comme une part très importante de l’héritage national de la Russie, Victor Smirnov-Golovanov a toujours ambitionné d’apporter ces richesses à un public le plus large possible et spécialement aux jeunes générations.
La compagnie s’est produite dans plus de 1.600 représentations en Grande-Bretagne depuis 1991 et a été acclamée récemment au Japon aux Etats-Unis, en Chine, etc.
The Moscow City Ballet est reconnu internationalement pour la perfection de son Corps de Ballet dans ce que la tradition de l’école russe de Ballet a de plus parfait et rigoureux.
Les versions anciennes de ballets classiques comme les productions propres de M. Smirnov Golovanov partagent toutes une intégrité chorégraphique, des idées et un style clairement défini dans des standards de performances de haut niveau.
La compagnie, de plus de 50 danseurs, est composées de danseurs venant des meilleures compagnies de Russie et d’Ukraine comme Moscou, Saint-Petersbourg, Perm, Kiev, Erevan, Novosibirsk, Alma-Ata, Baku, Kharkov, ainsi que de solistes étrangers invités.
NL
Het Zwanenmeer, op de wereldberoemde muziek van de Russische componist Tchaïkovsky en in een choreografie van Marius Petipa, is één van de wereldwijd meest gedanste pareltjes uit het klassieke repertoire . Het Zwanenmeer is één van die magische werken waarvan iedereen wel al hoorde maar weinigen het gezien hebben.
Hoewel het ballet reeds in 1876 door Tchaïkovsky gecomponeerd werd, zou het nog tot 1895 duren vooraleer het zijn première en succes kende in Sint-Petersburg in een choreografie van Marius Petipa. Deze van Marseille afkomstige choreograaf, heerser over de Russische dans gedurende meer dan vijftig jaar, heeft zich waarschijnlijk nooit kunnen inbeelden dat na zijn dood zijn balletten over de gehele wereld gedanst zullen worden en dat zijn Zwanenmeer een eeuw na de creatie van het stuk, tijdens zijn leven was het nooit buiten Rusland gebracht, wereldwijd het meest populaire van de romantische balletten zou worden.
Het verhaal neemt ons mee naar een romantisch en denkbeeldig universum waar prins Siegfried verliefd wordt op een zwaan, niets anders dan een prinses die het slachtoffer geworden is van een betovering. Overdag zwaan, ’s nachts vrouw,… zo is zij gedoemd om te leven tot de dag dat de betovering verbroken wordt…
The Moscow City Ballet
In 1988 richt Victor Smirnov-Golovanov, voormalig sterdanser van het Bolshoi Ballet en choreograaf, het Moscow City Ballet op. Hij wil de originele ideeën van de grootste choreografen uit de 19de eeuw tot nieuwe bloei brengen. De formule slaat aan, zowel in Rusland als daarbuiten, en al gauw behoort het Moscow City Ballet tot de meest gevraagde gezelschappen ter wereld!
Voor Victor Smirnov-Golovanov is klassiek ballet onlosmakelijk verbonden met het nationale erfgoed van Rusland en hij heeft er altijd naar gestreefd om deze rijke geschiedenis bij een zo breed mogelijk publiek te brengen, in het bijzonder bij jongere generaties.
Sinds 1991 heeft het gezelschap opgetreden in meer dan 1.600 voorstellingen in Groot-Brittannië en onlangs werd het ook laaiend enthousiast ontvangen in o.a. Japan, de Verenigde Staten en China. Het Moscow City Ballet is internationaal befaamd voor de perfectie die zijn corps de ballet tentoonspreidt en de uiterste nauwkeurigheid en finesse waar de Russische balletschool zo bekend om staat.
De oude versies van klassieke balletten, zoals de eigen producties van Victor Smirnov-Golovanov, worden gekenmerkt door een zuivere choreografie, een duidelijk omlijnde stijl en ideeën die op een zeer hoog niveau tot uiting worden gebracht.
Het gezelschap telt meer dan 50 leden en is samengesteld uit dansers afkomstig uit de beste Russische en Oekraïense gezelschappen in Moskou, Sint-Petersburg, Perm, Kiev, Jerevan, Novosibirsk, Alma-Ata, Baku en Kharkov, en enkele buitenlandse gastsolisten.
ENG
Swan Lake, the jewel of the classical repertoires composed by legendary Russian composer Tchaikovsky and creatively choreographed by Marius Petipa, has become one of the most performed ballets in the world. Swan Lake is one of the magical stories everybody has heard about but seldom has had a chance to see performed on stage.
Composed in 1876 by Tchaikovsky it was only in 1895 with the premiere in St. Petersburg when Swan Lake, danced on a choreography of Marius Petipa, became a tremendous success. Marius Petipa, born in Marseilles, went to St. Petersburg in 1847 and ruled over the Russian dance for more then 50 years. He could have never imagined that after him passing away his ballets would be danced all over the world. Furthermore, his Swan Lake, more than a century after its creation, became the most popular of all romantic ballets worldwide.
The story takes us to a romantic and imaginary universe where prince Siegfried falls in love with a swan, nothing less than a princess being a victim of sorcery. During daytime a swan, at night a women… destined to live like this until the day the sorcery will be broken…
The Moscow City Ballet
In 1988, The Russian Choreographer and former soloist of the Bolshoi Ballet, Victor Smirnov-Golovanov, founded Moscow City Ballet with the aim to promote the original ideas of the great 19th century choreographers. The Comppany’s success, both at home and abroad, makes it one of Russia’s most extensively touring ballet companies.
Considering classical ballet tob e an important part of the national heritage of Russia, Victor Smirnov-Golovanov aims tob ring it to as wide a public as possible, especially the new generation of ballet-going youngsters.
Moscow City Ballet is renowned for the perfection of its corps de ballet in the best traditions of the Russian school of classical ballet. This is ensured by the unceasing efforts, both in production and rehearsal, of Victor Smirnov-Golovanov and his wife, Ludmila Nerubashenko.
Smirnov-Golovanov’s own productions, as well as older versions of the classical ballets, all share a clearly defined style, ideas and choreographic integrity, setting high performance standards.
The Company of more than 50 dancers is drawn from graduates of all the finest choreographic academies and school in Russia and Ukraine, including Moscow, St. Petersburg, Perm, Kiev, Novosibirsk, Alma-Ata, Baku, Erevan, Donetsk, Kharkov and Ufa, as well as inviting soloists from abroad as guest artists.

par Wivine Rona
Chers amis de l'art russe,

Nous nous sommes rencontrés soit à l'UDA, soit à l'UOPC, soit à une conférence ou une réunion concernant la Russie, soit par des amis interposés, ou encore dans d'autres circonstances.

J'ai le plaisir de vous annoncer la sortie de mon Dictionnaire passionné de la Russie culturelle, musique, opéra, ballet, peinture, architecture, littérature, théologie, cinéma de 1800 à 2020. Il a 300 pages et renferme environ 2.000 entrées. Il est non illustré malheureusement, sauf la couverture dont je vous envoie un aperçu.
Je vous souhaite une bonne lecture, mais surtout et d'abord un dé-confinement urgent !

Wivine Rona

Événement de Raisa Ruttenberg
Als voorbereiding voor ons muzikaal theater « In de Ban van Koning Artur » brengen we nog enkele nummers met Olga Mentchik, Artur Rozek, Raisa Ruttenberg, daarna jazzgitaar van Claude Neirynck en country songs van Jan Van Handenhoven.

L'atelier d'acting et de direction d'acteurs pour le cinéma et la télévision avec Beatriz Flores Silva
Destiné aux acteurs, réalisateurs et scénaristes, à la fois professionnels et débutants.
Beatriz Flores Silva est réalisatrice, productrice, scénariste et enseignante avec une expérience de plus de 30 ans.
7 FILMS PAR AN
L’Atelier a produit 71 films en 9 ans, réalisés avec et par nos participants. Plus de 500 minutes de produits finis de fiction! L’équivalent en durée à 4 longmétrages!
Un lieu d'entraînement continu unique
L’Atelier n’est pas uniquement un lieu de formation dans les héritages du Système Stanislavski les plus utilisées dans l’acting face caméra, mais aussi un lieu d’entraînement continu où les comédiens et réalisateurs viennent perfectionner leurs outils et en acquérir des nouveaux, directement sur des travaux pratiques et films à l’appui.
Le produit monocamera est la vedette de l'atelier
En effet, c’est le seul atelier d'acting et de diréction d'acteurs en Belgique où les participants peuvent obtenir en un temps réduit, un produit de fiction fini dans lequel ils jouent en tant que protagoniste ou dans lequel ils ont dirigé les comédiens, sous la supervision d’un expert dans la matière (voir CV de Beatriz Flores Silva ici).
Comment ça se passe?
Après avoir fait 2 modules de 8 semaines, traitant sur les héritages russes et américains du Système Stanislavski (la formation de base), les participants ont accès à l’Exercice Monocaméra*. Leur scène est tournée en une journée avec une équipe réduite, en mode “monocaméra”, c’est à dire plan par plan, prise par prise, comme dans les tournages cinématographiques. Et cela moyennant un supplément avec lequel il leur serait impossible de financer le produit ailleurs.
*Attention : la participation à l’Exercice Monocaméra nécessite de l'approbation de Beatriz sur le niveau acquis. Il doit y avoir aussi deux autres participants "niveau monocaméra" dans le module pour pouvoir former un groupe avec vous.
Du materiel pour un showreel
Une fois le niveau monocaméra atteint les participants peuvent continuer à faire autant de produits monocaméras comme de modules ils font, ce qui leur permet d’avancer dans leur formation et d’obtenir du matériel filmé pour la réalisation d’un showreel. Plusieurs participants ont déjà joué ou réalisé dans plus de 4 monocaméras.
Un lieu de rencontre artistique
Des réalisateurs et comédiens se retrouvent dans un espace de recherche artistique pour faire des exercices et des produits ensemble. Après avoir acquis une terminologie commune ils pourront continuer à collaborer ensemble en dehors de l’Atelier.
Démocratique et flexible
Les participants s’entraînent au rythme de leurs possibilités. En effet ils font quelques modules, repartent, puis reviennent quand ils ont de nouveau le temps ou l'argent ou les envies. Tout est conçu à des prix démocratiques justement pour que l'argent ne soit pas un frein. C'est ainsi que nous avons plusieurs participants qui viennent de manière continue, dans le but de s’entraîner dans les techniques du jeu et de la direction d’acteurs pour le cinéma et l’audiovisuel, tout ceci avec un encadrement personnalisé. Des formules de discount par parrainages permettent à ceux en difficulté financière de participer aussi.

Exposition des peintures
Service de la Culture d'Ixelles
En jouant sur la vocation originelle de la Chapelle de Boondael, l’artiste Sasha Drutskoy y présente une œuvre unique et spécialement créée pour le lieu : un polyptyque figurant une rencontre amoureuse. Véritable instrument de la narration picturale, l’œuvre nous raconte l’espoir suscité par la rencontre, mais nous renvoie aussi à la solitude, l’oubli, la perte.

Sasha Drutskoy expose un polyptyque pensé spécialement pour l'abside de la chapelle de Boondael. En jouant sur la vocation originelle de la chapelle et sur sa spécificité architecturale, le peintre veut induire un moment de contemplation partagée. L'œuvre unique placée dans l'axe du bâtiment sur la scène qui servait à la représentation du culte, figure une rencontre amoureuse et l'espoir que porte celle-ci, mise en rapport avec la solitude, l'oubli, la perte. Un thème universel susceptible d'être partagé comme, en ce lieu, étaient partagées des croyances aux temps ou le culte y unissait une congrégation à la recherche d'une transcendance. Sasha Drutskoy pense la peinture en termes de catalyseur. Dans la contemplation de l'œuvre, des expériences éparses et individuelles peuvent se rencontrer et la peinture peut devenir l'instrument d'un rapprochement. C'est en ce sens, comme le prédisait Dostoïevski, que la beauté sauvera le monde. Le polyptyque, outre le lien qu'il permet d'établir avec l'histoire du lieu, est un instrument de la narration picturale. La peinture raconte sans être soumise aux contraintes d'un espace unique ou d'une chronologie linéaire.

Sacha Drutskoy

Sint-Lukas Brussel, LUCA School of Arts
FR - Le travail de Timur Zakharchev (Union soviétique, 1991) tourne autour du noble mensonge et l’utilise en une appropriation subversive du symbolisme occulte et alchimique, de la numérologie et de l'ésotérisme de la critique institutionnelle, pour évoquer une bataille picturale extatique ainsi qu'un dialogue sur et contre l'épidémie de vanité pathologique collective et de narcissisme. Le format spécifique de la présentation est appliqué pour répondre aux besoins bien définis du regard contemporain, sublimant dans l'œuvre une vérité tacite sur l'art, révélée uniquement à ceux qui sont vraiment prêts à se séparer de leur précieuse ivraie. Sinon, la dimension didactique, instructive et retraumatisante de l'œuvre se cache uniquement derrière l'impression commune d'une présentation cryptique ou esthétique, un reflet du paysage mental de l'artiste, ou bien elle sert de miroir adapté aux fonctions personnelles et interprétatives d’un spectateur. Dans les deux cas, l'œuvre, de manière alchimique, invite chaque partie à actionner le pendule du pandémonium de la post-modernité.
NL - Het werk van Timur Zakharchev (Sovjet-Unie, 1991) draait om en maakt gebruik van de nobele leugen, een subversieve toe-eigening van de occulte en alchemistische symboliek, numerologie en van de esoterie van institutionele kritiek, om een extatische picturale strijd te genereren, evenals een dialoog over en tegen de epidemie van collectieve pathologische ijdelheid en narcisme. Het specifieke formaat van de presentatie is aangewend om tegemoet te komen aan de welomschreven behoeften van de hedendaagse blik, waarbij in het werk een onuitgesproken waarheid over kunst wordt gesublimeerd, die alleen onthuld wordt voor degenen die echt bereid zijn hun kostbare kaf weg te gooien. Anders maakt de didactische, instructieve en hertraumatiserende dimensie van het werk plaats voor alleen de algemene indruk van een cryptische of esthetische presentatie, een weerspiegeling van het mentale landschap van de kunstenaar, ofwel dient ze als een passende spiegel voor de persoonlijke, interpretatieve functies van een toeschouwer. Hoe dan ook nodigt het werk, op alchemistische wijze, elke partij uit om het pandemonium van de postmoderniteit te pendelen.

Programmes interculturels ASBL
La Russie est l’un des pays les plus variés au monde sur le plan géographique et culturel. Vous y trouverez de tout : des montagnes, des plaines, des forêts, des lacs, des rivières et des mers. Le pays n’est pas non plus en reste en matière d’histoire et de traditions et il jouit d’un héritage culturel foisonnant dans les arts comme dans la musique.
Conditions d'accès au programme :
Age requis : être né(e) entre le 21 février 2003 et le 21 février 2006.
Pré-requis linguistiques : avoir un niveau moyen en anglais.
– Information utile –
Vous ne pourrez pas intégrer une classe de rhéto dans votre école d’accueil russe.
A propos d'AFS :
AFS est une organisation internationale d’échange d’étudiants et de jeunes adultes présente dans plus de 50 pays et qui favorise et accompagne l’apprentissage des relations interculturelles par des séjours à l’étranger en immersion.

« Carta Canta », ou comment un artiste qui aura maintes fois réinventé l’art graphique, ouvre le chant de tous les possibles !
En 2021, les MrBAB abolissent les frontières de leurs salles pour vous emmener dans un voyage par le geste, porté par cette figure majeure qu’est Pierre Alechinsky. Une saison placée sous le signe de la spontanéité, de la couleur et du plaisir!

« Carta Canta » présente une sélection d’œuvres sur papier d’Alechinsky puisée dans les quelques 270 œuvres entrées par donation dans les collections des Musées royaux, ainsi que de nouvelles donations exceptionnelles, mettant à l’honneur cette figure de proue du mouvement CoBrA. Plus de 150 dessins, aquarelles, eaux-fortes, lithographies, peintures vous invitent au rêve et au voyage, dans l’infini de l’imaginaire.

L’exposition démontre comment l’exploration imaginaire portée par un sens aigu de l’expérimentation technique a jeté les bases d’une pratique qui fait de l’acte de dessiner – et donc du dessin – le cœur d'une création riche et multiforme, tout en offrant un regard transversal permettant d’établir des liens entre l’artiste et la collection des MRBAB, d’Ensor à Magritte.

Aujourd’hui encore, Pierre Alechinsky, pionnier du groupe d'avant-garde CoBrA et lauréat du Praemium Imperiale (2018), continue, du haut de ses 93 printemps, de faire « chanter » non seulement le papier, mais l’ensemble du Musée.